"Vivimos en una época en la que las sombras colectivas se hacen visibles"
En tiempos en los que reina la inmediatez y las canciones se consumen como si fueran desechables, Edenbridge nos recuerda una vez más que el metal sinfónico puede ser un viaje profundo, espiritual y transformador. Con su duodécimo álbum de estudio, “Set The Dark On Fire”, que se lanzará el 16 de enero, y su regreso al sello Steamhammer/SPV, dando un paso decisivo hacia un sonido más pesado y terrenal. Sin sacrificar la elegancia, el alcance épico y la delicadeza que siempre han definido su música. riffs potentes, arreglos orquestales opulentos, instrumentos inusuales en el metal y letras centradas en la transformación interior, el fuego como fuerza constructiva y la búsqueda del “sol interior” hacen de este álbum una obra tan intensa como sanadora. Hablamos con Sabine Edelsbacher (vocals) y Lanvall (Arne Stockhammer – guitar, keyboards, bass),sobre esta nueva etapa, el papel del fuego como metáfora, la dimensión visual del álbum y el lugar de Edenbridge en la escena musical actual.
MiM: “Set The Dark On Fire” es su duodécimo álbum de estudio y también marca su regreso a Steamhammer/SPV. ¿En qué momento sintieron que estas nuevas canciones representaban una nueva etapa para Edenbridge y no solo un álbum más en su carrera?
Lanvall: Durante todo el proceso de composición y arreglos, sentí que este álbum podía ser diferente, pero finalmente lo fue después de terminar la mezcla y la masterización.
MiM: Lanvall, has mencionado que este es su álbum más enérgico y pesado hasta la fecha. ¿Qué decisiones específicas tomaron con respecto a las guitarras, el bajo y la batería para lograr una base más potente sin perder la identidad sinfónica de la banda?
Lanvall: Escribí muchos riffs graves para este álbum con la guitarra de 7 cuerdas. Nuestra afinación estándar es Si bemol, incluso medio tono más baja, y estos riffs tenían mucha fuerza y sentaron las bases de muchas de las canciones. Es lógico que el sonido general tienda a ser más pesado en ese caso. El aspecto importante ya está arraigado en el proceso de arreglo. Todos estos elementos necesitan espacio y, por lo tanto, no todo puede suceder siempre a la vez. Un riff contundente solo lo parecerá si varios otros instrumentos no lo cubren. Si quieres centrarte en partes orquestales cinematográficas, las guitarras también tienen que dar un paso atrás.
MiM: Trabajaste de nuevo con Karl Groom en la mezcla y masterización. ¿Qué tiene Karl que te hace volver a él una y otra vez y qué matices crees que ha sacado a relucir esta vez en comparación con trabajos anteriores?
Lanvall: Karl llevó nuestro sonido a otro nivel. En cuanto a la mezcla, a menudo se trata de un trabajo de detalle milimétrico para determinar cómo se ve una parte. Como llevamos más de 15 años trabajando con guitarras de 7 cuerdas, el objetivo era forzar ese sonido rítmico tipo Dream Theater, Mesa Boogie, en los medios bajos. El bajo también tiene mucha más distorsión, lo que hace que las guitarras parezcan más pesadas. Cuando trabajo en la mezcla con Karl, no hay egos involucrados; simplemente ayuda mucho a lograr el mejor resultado posible. Justo la semana pasada, Karl me escribió diciéndome lo orgulloso que está de formar parte de esta producción, y yo estoy orgulloso de que llevemos 20 años formando equipo.
MiM: Edenbridge siempre se ha destacado por su riqueza armónica y estructural. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre riffs potentes, pasajes orquestales, cambios dinámicos y esos coros memorables que aún suenan “orientados a la canción”?
Lanvall: Gracias por los cumplidos. Creo que estos son precisamente los elementos que nos hacen únicos en comparación con muchas otras bandas del género. Después de 30 años en este mundo de tiburones llamado industria musical, uno pasa por una curva de aprendizaje constante que abarca todas las direcciones. Como dije antes, hay que darle espacio a todos los elementos. Por encima de todo, siempre están las voces y los estribillos pegadizos y memorables con sus grandes coros, que deben brillar primero. Siempre me he visto primero como compositor y luego como instrumentista. ¡La canción tiene que ser la estrella! Y este es el motor principal que me impulsa a seguir avanzando en el maravilloso viaje de explorar nuevos paisajes sonoros, nuevas y geniales progresiones de acordes y estructuras de canciones inusuales, todo bajo el techo de grandes melodías.
MiM: El álbum incorpora instrumentos inusuales en el metal, como el dulcémele, el swarmandal, el monocordio y el sitar eléctrico. ¿En qué temas crees que estos instrumentos realmente marcan la diferencia y cómo surgió la idea de incluirlos en el proceso de composición?
Sabine: Ya demostramos con el primer álbum que apreciamos mucho las influencias musicales de diferentes culturas, porque en todas partes hay algo originalmente hermoso que necesita ser descubierto. Es simplemente emocionante integrar diferentes elementos sonoros e instrumentos de cuerda naturales de otros países en tu música, ya que la mantiene variada. Con el nombre Edenbridge, también representamos un elemento de conexión entre culturas, y ¿qué mejor que expresarlo con aprecio?
MiM: Sabine, mencionas que las nuevas canciones te han llevado de registros muy graves a notas muy agudas, casi como un viaje emocional completo. ¿Hubo algún momento en el estudio en el que sentiste que estabas explorando un territorio vocal nuevo incluso para ti?
Sabine: Primero, una espasticidad diafragmática grave me dejó completamente incapacitada. Al principio, ni ejercicios de respiración ni terapia manual me ayudaron. Le agradezco a mi médico que pudiera volver a caminar erguida y respirar. Cantar estaba descartado. El SIBO (una colonización del intestino delgado con intolerancia a la fructosa) fue la mala noticia, y eso fue antes de Navidad. Una dieta sin azúcar, sin fruta, sin carbohidratos y como vegetariana me hacía dudar de lo que era posible, pero tampoco me quedaba otra opción que ser estricta. Era puro estrés para mí si podría siquiera lograrlo en el estudio. Todo mi cuerpo estaba en reconstrucción, y sentía un pinchazo en todas partes, impidiéndome alcanzar mi potencial. Sin embargo, el desastre total también me permitió cambiar mi forma de abordar las cosas. De repente, durante los preparativos, experimenté una nueva naturalidad al cantar. El resultado de mi continuo placer por experimentar fue una mayor expresión con menos impacto. Pero no fue algo inmediato en el estudio. Cada día en el estudio fue inicialmente una terapia para mí, porque al día siguiente me sentía cada vez mejor físicamente a pesar de las horas de esfuerzo. Literalmente había “alisado” mi diafragma cantando. Una vez que fluí con mi nueva naturalidad, como antes, alcancé un nuevo nivel que realmente disfruté.
MiM: “Cosmic Embrace” es el sencillo principal y también cuenta con un video muy simbólico, con el laberinto y el fuego como elementos centrales. ¿Qué historia querías contar con esa canción y su video, y cómo conectan con el concepto general del álbum?
Sabine: Vivimos en una época en la que las sombras colectivas se hacen visibles, y lo celebramos con nuestro álbum. Solo lo que sale a la luz puede ser visto, reconocido y, en consecuencia, transformado por todos. Visto individualmente, el sol interior en “Cosmic Embrace” muestra el fuego que llevamos dentro y la fuerza con la que trabajamos en el mundo y nos expresamos. La canción habla de encontrar ese sol interior para ponernos en marcha. Cuando todo a nuestro alrededor se desmorona, es prudente mirar hacia dentro. Sumergirnos en la quietud. Al punto cero de la tormenta o al centro del laberinto, como se simboliza en el vídeo. Solo desde allí surgen los impulsos correctos. Allí, el sol interior se une con el sol exterior que nos nutre. A través del poder de la inspiración, penetramos en la maraña de nuestra energía o resurgimos como un fénix de entre las cenizas.
No en vano ya había experimentado esta dinámica del diafragma. Este sol interior se encuentra exactamente en este punto del cuerpo, en el plexo solar. Es la sensible red nerviosa que nos hace reaccionar con fuerza a las emociones y tiende a bloquearnos cuando todo se vuelve demasiado o tenemos algo en el estómago. Así que conozco bien el tema. En nuestro álbum actual, exploramos la oscuridad, o mejor dicho, lo que a menudo yace en la oscuridad, es decir, lo oculto. No solo nos preocupa lo que tradicionalmente se considera “amenazante” o “malvado”, sino también el inconsciente, incluyendo nuestras sombras, y sobre todo nuestras capacidades y recursos internos. Es importante para nosotros percibir lo que realmente sucede a nuestro alrededor. Estamos convencidos de que el cambio constructivo puede surgir cuando observamos lo que sucede a nuestro alrededor sin enredarnos emocionalmente en cosas que no podemos influir directamente. Solo así la mente se mantiene clara y nuestra fuerza se conserva para crecer desde dentro y tomar las decisiones correctas individualmente.
Muchas personas conocen la sensación de impotencia. La experimentamos en parte porque no siempre somos conscientes de nuestro propio poder creativo, es decir, de nuestra creatividad y posibilidades creativas. Cuando nuestra conexión interna se debilita, nos sentimos más fácilmente influenciables o desanimados. Por el contrario, la confianza surge cuando las personas se sienten seguras, y con ella viene la valentía de asumir la responsabilidad de sus vidas para “animarlas” o para decir NO. En todos nuestros álbumes, describimos un camino de desarrollo personal, que para nosotros es parte central del cambio colectivo. La música que te conmueve y te fortalece emocionalmente puede ayudarte a encontrar tu fuerza y a actuar donde realmente puedas marcar la diferencia. Cualquiera que conozca nuestros textos anteriores probablemente sepa que no abogamos por un escape a la nube 9. Nos interesa más cómo puedes mantener los pies en la tierra y seguir creciendo internamente. Al mismo tiempo, somos conscientes de que cada persona tiene una visión individual del mundo, moldeada por la cultura, las experiencias y su historia. Nuestros textos suelen estar escritos con metáforas porque la poesía suena más agradable y excluye el dedo levantado.
Actualmente, muchas cosas que han estado ocurriendo en segundo plano durante mucho tiempo están cobrando impulso previsible. Para nosotros, este es un momento de clarificación.
Una vez más, nuestras letras no son un llamado a la revolución ni a la escalada, sino que intentamos describir el proceso de transformación. Para nosotros, el elemento fuego simboliza precisamente esto. Puede calentar, nutrir y destruir, pero también transformar y renovar. Está en nuestras manos influir de forma constructiva en el colectivo con nuestras decisiones para que la humanidad pueda superar los tiempos difíciles y alcanzar un nuevo nivel de energía en la Tierra.
MiM: “Donde Viven los Monstruos” (o “Donde Viven los Monstruos”) tiene una atmósfera distintivamente celta/irlandesa y una fuerte conexión con la tierra como entidad viva. ¿Cómo se construye esta dimensión mitológica y qué representa exactamente el personaje de Aleen dentro del universo lírico de Edenbridge?
Sabine: Temáticamente, “Donde Viven los Monstruos” trata sobre la feminidad primordial, encarnada por el personaje de Aleen. Al mismo tiempo, también trata sobre el poder de Gaia, la Madre Tierra, como un ser vivo con su sabiduría inherente. Describe una fuerza arquetípica e indómita que amenaza cualquier tipo de rutina. Porque Aleen vive apasionada y seductoramente. No conoce tabúes, y sus únicas creencias son las de los elementos con los que se siente conectada y que se expresan a través de ella. Todo está conectado con todo lo demás, pero cada uno de nosotros emerge una y otra vez en forma de singularidad. Por lo tanto, Aleen es parte de cada persona en la Tierra que puede reconectar con esta energía de vitalidad.
MiM: “The Ghostship Diaries” abre el álbum con un coro multidimensional y un final oscuro y contundente. ¿Por qué fue la puerta de entrada ideal a “Set The Dark On Fire” y qué elementos clave del álbum crees que presagia desde el primer minuto?
Lanvall: Curiosamente, esta canción también fue la primera en la que trabajé y, por lo tanto, sentó las bases del álbum. El riff inicial es muy inusual porque incluye acordes más complejos y difíciles de tocar en las líneas de guitarra. Me encanta especialmente el estribillo, con su patrón de bombo más complejo e inesperado, y el equilibrio entre la voz principal de Sabine y los coros y acompañamientos.
MiM: “Bonded By The Light” posee una grandeza cinematográfica que muchos han comparado con una hipotética canción principal de James Bond. ¿Estaba este enfoque “cinematográfico” presente desde la primera maqueta o fue algo que se desarrolló durante los arreglos orquestales?
Lanvall: Llevaba tiempo con las ideas de “Bonded by the Light” guardadas en mi cajón, y ahora era el momento adecuado para arreglarla y lanzarla. Solo tenía los acordes y la línea vocal inicialmente, pero siempre tuve en mente esta gran orquestación al estilo Bond. Creo que quedó genial, sobre todo gracias a la fantástica interpretación vocal de Sabine.
MiM: En “Lighthouse”, precedida por “Divine Dawn Reveal”, se percibe una marcada atmósfera oriental. ¿Qué te atrae de estos sonidos y cómo encajan en la narrativa general del álbum? “Our Place Among the Stars” sorprende con un final con tintes gospel.
Lanvall: Empezamos a trabajar con estos instrumentos y recursos estilísticos hace 25 años; es simplemente parte de nuestro ADN musical. Tengo una amplia gama de instrumentos étnicos, que a menudo he traído conmigo cuando viajo desde países lejanos. El instrumento más difícil de tocar es el dulcémele (dulcémele de martillo). Hace más de 10 años, fui a un luthier bávaro y recibí el último instrumento que construyó antes de jubilarse. El sonido rico en armónicos de las 33 cuerdas triples es realmente increíble. Lo conocemos principalmente de la música folclórica tradicional, pero también puede sonar increíblemente místico. Tiene un efecto casi curativo al tocar, pero afinar las 99 cuerdas a veces te vuelve loco…
Utilizo estos instrumentos cuando creo que aportan a la canción un valor añadido que no se puede conseguir con sintetizadores y samples. Estos instrumentos tienen una gran riqueza de armónicos, lo que les da un toque especial. Descubrí el swarmandal (una cítara india) en una tienda de instrumentos étnicos y me enamoré al instante. Hace unos años, Sabine compró un monocordio, que también se combina con un koto (cítara japonesa) y un tampura (laúd indio de mástil largo).
Me encanta el gospel, y ya teníamos una parte de gospel en “At First Light” del álbum anterior. Estas partes suelen estar inspiradas también en los acordes subyacentes; en este caso, todos son acordes de séptima, que suelen ser la base del gospel.
MiM: ¿Cómo surgió esta idea tan inusual para el metal sinfónico y qué querías transmitir con este giro final?
Lanvall: Creo que es simplemente el resultado de todas las diferentes influencias y del amplio espectro musical que me encanta. Esto abarca desde música clásica, bandas sonoras, musicales, grandes éxitos pop de los 70 y 80, música new age como Vangelis, AOR y, por supuesto, hard rock/metal. Sin olvidar el rock progresivo y el metal. Cuanto más amplio sea tu espectro musical, más amplio será tu sonido y tu comprensión musical. Como dije antes, para mí es un viaje que dura toda la vida descubrir esta maravillosa obra llamada música.
MiM: El corazón del álbum es “Spark Of The Everflame”, una pieza de 13 minutos dividida en cuatro partes. ¿Cómo abordas la composición de un tema tan largo en 2025/2026, en plena era de los sencillos y el rápido consumo? ¿Sientes que estos formatos épicos son parte esencial del ADN de Edenbridge?
Lanvall: Absolutamente, siempre fueron esenciales para nuestro sonido. Con piezas largas, suele ocurrir que la canción finalmente llega a un punto en el que queda claro que aún no ha llegado el final. Entonces compuse esta sección central completamente orquestal y sinfónica, que se integró a la perfección. En la parte final de la canción, se retoman y varían algunos temas del principio. En definitiva, este siempre es un viaje musical muy emocionante y demuestra muy bien lo que la banda representa en 2026.
MiM: Lanvall, mencionas motivos recurrentes, modulaciones complejas y cambios dinámicos en este tipo de composiciones largas. ¿Sueles empezar con un concepto narrativo, un motivo musical central o una imagen específica al construir una pieza como “Spark Of The Everflame”?
Lanvall: Creo que el tema épico principal debe estar ahí primero para que una canción como esa realmente arranque. En este caso, fue toda la primera parte, “Let Time Begin”, que ya abarca numerosos motivos en poco más de un minuto. La letra siempre va al final. Por supuesto, una canción épica como esta debe tener un título épico y también una gran historia.
MiM: El diseño de la portada y todo el arte visual son obra de tu baterista, Johannes Gral. ¿Cómo es trabajar cuando la propia banda controla tanto los aspectos musicales como los visuales, y cómo la figura central de la portada encapsula el mensaje de transformación del álbum?
Sabine: La portada constituye el tema central del álbum. Representa principalmente la canción principal, “Set the Dark on Fire”, así como nuestro sencillo, “Cosmic Embrace”. El fuego simboliza la luz que hace visible la oscuridad. Consideramos este elemento como una fuerza transformadora cuando se usa con inteligencia. La portada siempre ha sido una parte importante de nuestro concepto general. Johannes ha asumido cada vez más responsabilidad del diseño visual en los últimos años. Lanvall, Johannes y yo formamos el equipo creativo, y como artista gráfico 3D, Johannes posee los conocimientos técnicos necesarios para implementar ideas de forma brillante. Es simplemente fantástico lo que ha creado de nuevo esta vez, desde la portada y el libreto hasta los vídeos. Incluso empezamos a editar juntos nuestros dos primeros videoclips y nos divertimos mucho.
MiM: Por último, si tuvieras que invitar a un oyente que no conozca Edenbridge a tu universo con solo una canción de “Set The Dark On Fire”, ¿cuál elegirías y por qué representa tan perfectamente el alma de la banda en 2026?
Lanvall: Para mí siempre es el tema largo, porque en él está todo lo que representa la banda, así que definitivamente “Spark Of The Everflame”.
Sabine: Estoy totalmente de acuerdo con Lanvall en el caso de “Spark of the Everflame” porque contiene todas las facetas. Pero ahora elijo “Set the Dark on Fire” porque tu pregunta se refería a 2026. Y ese año sin duda tiene un poder que debe aprovecharse con sabiduría para que no tenga un efecto destructivo, sino que provoque una transformación. Estoy segura de que la canción realmente prenderá fuego en directo.
¡Gracias, Raúl, por la entrevista y las excelentes preguntas!
Sabine y Lanvall
In times when immediacy reigns and songs are consumed as if they were disposable, Edenbridge reminds us once again that symphonic metal can be a profound, spiritual, and transformative journey. With their twelfth studio album, “Set The Dark On Fire,” to be released on January 16th, and their return to the Steamhammer/SPV label, taking a decisive step towards a heavier and more earthy sound. Without sacrificing the elegance, epic scope, and delicacy that have always defined their music. Powerful riffs, opulent orchestral arrangements, instruments unusual in metal, and lyrics focused on inner transformation, fire as a constructive force, and the search for the “inner sun” make this album a work as intense as it is healing. We spoke with Sabine Edelsbacher (vocals) and Lanvall (Arne Stockhammer – guitar, keyboards, bass), about this new chapter, the role of fire as a metaphor, the album's visual dimension, and Edenbridge's place in the music scene today.
MiM:“Set The Dark On Fire” is your twelfth studio album and also marks your return to Steamhammer/SPV. At what point did you feel that these new songs represented a new chapter for Edenbridge and not just “another album” in your career?
Lanvall: In the whole songwriting and arrangement process, I felt that this album could be different, but finally it was after we finished the mix and master.
MiM:Lanvall, you've mentioned that this is your most energetic and heavy album to date. What specific decisions did you make regarding guitars, bass, and drums to achieve that more powerful foundation without losing the band's symphonic identity?
Lanvall: I was writing a lot of low-tuned riffs for this album on the 7-string guitar. Our standard tuning is in Bb, so even a half step lower, and these riffs had a lot of drive and set the foundation for many of the songs. It is only logical that the overall sound tends to go into a heavier direction then. The important aspect is already rooted in the arrangement process. All of these elements need space, and therefore not everything can always happen at once. A fat riff will only seem fat if several other instruments do not cover it up. If you want to focus on cinematic orchestral parts, the guitars also have to take a step back.
MiM: You worked again with Karl Groom on the mixing and mastering. What is it about Karl that makes you return to him time and again, and what nuances do you think he has brought out this time compared to previous work?
Lanvall: Karl took our sound to another level. When it comes to mixing, it's often really a matter of millimeter detail work to determine how a part appears. Since we have been working with 7-strings for more than 15 years, the goal was to force that Dream Theater-like Mesa Boogie rhythm sound in the lower midrange. The bass also has a lot more distortion, and this makes the guitars seem heavier. When I work on the mix with Karl, there are no egos involved; it just helps a lot to achieve the best possible result. Just last week Karl wrote to me saying how proud he is to be part of this production, and I am proud that we have been a team for 20 years.
MiM: Edenbridge has always stood out for its harmonic and structural richness. How do you find the balance between powerful riffs, orchestral passages, dynamic changes, and those memorable choruses that still sound “song-oriented”?
Lanvall: Thanks for the compliments. I think these are precisely the elements that give us uniqueness in comparison to many other bands in that genre. After 30 years in this shark pool called the music business, you go through a steady learning curve spanning all directions. As I said before, you need to give all the elements space. On top of all, there are always the vocals and the catchy and memorable choruses with their big choirs, which have to shine first. I've always seen myself as a songwriter and composer first and then as an instrumentalist. The song has to be the star! And this is the prime mover that keeps me going further and further into the wonderful journey of exploring new soundscapes, great new chord progressions, and unusual song structures, all under the roof of great melodies.
MiM: The album incorporates instruments unusual in metal, such as the dulcimer, swarmandal, monochord, and electric sitar. In which tracks do you think these instruments really make a difference, and how did the idea of including them in the songwriting process come about?
Sabine: We already showed with the first album that we really appreciate musical influences from different cultures, because everywhere there is something originally beautiful that needs to be discovered. It's simply exciting to integrate different sound elements and natural string instruments from other countries into your music because it keeps it varied. With the name Edenbridge, we also stand for a connecting element between cultures, and what could be better than making this audible in appreciation?
MiM: Sabine, you mention that the new songs have taken you from very deep registers to very high notes, almost like a complete emotional journey. Was there a moment in the studio when you felt you were exploring vocal territory that was new even to you?
Sabine: First, a bad diaphragmatic spasticity had put me completely out of action. No breathing exercises or manual therapy helped at first. I have my doctor to thank for the fact that I was able to walk upright again and breathe. Singing was out of the question. SIBO—i.e., a small intestinal colonization with fructose intolerance—was the bad news, and that was before Christmas. A diet without sugar, no fruit, no carbohydrates, and as a veggie, I had question marks about what was even possible, but I also had no choice but to be strict. It was pure stress for me whether I could even manage it in the studio. My whole body was undergoing reconstruction, and there was a pinch everywhere, preventing me from accessing my potential. However, the full disaster also allowed me to change the way I generally approach different things. Suddenly, during the preparations, I experienced a new level of effortlessness when singing. The result of my continued joy in experimenting was more expression with less impact. But it wasn't immediately available in the studio. Every day in the studio was initially therapy for me, because the following day I felt physically better and better despite hours of exertion. I had literally “ironed out” my diaphragm through singing. Once I was in the flow with my new effortlessness, like before, I had reached a new level that I truly enjoyed.
MiM:“Cosmic Embrace” serves as the lead single and also has a very symbolic video, with the labyrinth and fire as central elements. What story did you want to tell with that song and its video, and how do they connect with the overall concept of the album?
Sabine: We live in a time when collective shadows are becoming visible, and we welcome this with our album. Only what comes to light can be seen, recognized, and consequently changed by everyone.
Individually seen, the inner sun in “Cosmic Embrace” shows the fire within us and the force through which we work in the world and express ourselves. The song is about finding that inner sun again to get going. When everything around us falls apart, it's wise to turn inward. To immerse ourselves in stillness. To the zero point of the storm or to the center of the labyrinth, as symbolized in the video. Only from there do the right impulses arise. There, the inner sun unites with the outer sun that nourishes us. Through the power of inspiration, we then penetrate the tangle of our energy or rise like a phoenix from the ashes.
It's certainly not for nothing that I had this diaphragm dynamic beforehand. This inner sun is located exactly at this point in the body, in the solar plexus. It is the sensitive network of nerves that makes us react strongly to emotions and tends to block us when everything gets too much or something is in our stomach. So I know the topic well.
On our current album, we explore the dark, or rather, what often lies in the dark, meaning what is hidden. We’re not only concerned with what is traditionally considered “threatening” or “evil,” but also with the unconscious, including our shadow sides, and above all with our abilities and inner resources. It’s important to us to perceive what is truly happening around us. We’re convinced that constructive change can arise when you observe what’s going on around you without becoming too emotionally entangled in things you cannot directly influence. Only in this way does the mind remain clear, and our strength is preserved to grow from within and to make the right decisions individually.
Many people know the feeling of powerlessness. We experience this partly because we are not always aware of our own creative power, i.e., our creativity and creative possibilities. When our inner connection weakens, we feel more easily influenced or discouraged. Conversely, trust arises where people feel safe, and with trust comes the courage to take responsibility for their lives in order to “enliven” them or to say NO.
On all of our albums, we therefore describe a personal development path, which for us is a central part of collective change. Music that touches and strengthens you emotionally can help you find your strength and take action where you can actually make a difference. Anyone who knows our previous texts probably knows that we are not advocating an escape to Cloud 9. We're more interested in how you can keep both feet on the ground and still grow internally. At the same time, we are aware that every person has an individual view of the world, shaped by culture, experiences, and their history. Our texts are often written in metaphors because the poetic sounds nicer and excludes the raised finger.
Currently, numerous things that have been running in the background for a long time are just becoming more visible. For us, this feels like a time of clarification.
Once again, our lyrics are not a call for revolution or escalation, but rather we try to describe the process of transformation. For us, the element of fire symbolizes exactly this. It can warm, nourish, and destroy, but also transform and renew. We have it in our hands to have a constructive influence on the collective with our decisions so that humanity can get through challenging times well and achieve a new energy level on earth.
MiM:“Where The Wild Things Are” (or “Where the Monsters Live”) has a distinctly Celtic/Irish atmosphere and a strong connection to the land as a living entity. How is this mythological dimension constructed, and what exactly does the character of Aleen represent within Edenbridge's lyrical universe?
Sabine: Thematically, “Where the Wild Things Are” is about the primal feminine, embodied by the character Aleen. At the same time, it's also about the power of Gaia, Mother Earth, as a living being with her inherent wisdom. It describes an archetypical and untamed force that poses a threat to any kind of routine. Because Aleen lives passionately and seductively. She knows no taboos, and her only beliefs are those of the elements with which she feels connected and which express themselves through her. Everything is connected to everything else, yet each of us emerges again and again in the form of uniqueness. Thus, Aleen is a part of every person on Earth who can reconnect with this energy of liveness.
MiM: “The Ghostship Diaries” opens the album with a multidimensional choir and a dark, heavy ending. Why was it the ideal gateway to “Set The Dark On Fire,” and what key elements of the album do you think it foreshadows from the very first minute?
Lanvall: Funnily, this song was also the first one I worked on and therefore set the foundation for the album. The opening riff is very unusual because it carries some more complex and hard-to-play chords in the guitar lines. I especially love the chorus with its more complex and unexpected kick drum pattern underneath and the balance between Sabine's lead vocals and the choirs and backings.
MiM:“Bonded By The Light” possesses a cinematic grandeur that many have compared to a hypothetical James Bond theme song. Was this “cinematic” approach present from the first demo, or was it something that developed during the orchestral arrangements?
Lanvall: I've had the ideas for “Bonded by the Light” in my drawer for some time, and now the time was right to arrange and release it. I only had the chords and the vocal line first but always had this big Bond-like orchestration in mind. I think it turned out great, especially due to Sabine's fantastic vocal performance.
MiM: In “Lighthouse,” preceded by “Divine Dawn Reveal,” a very distinct Eastern feel is perceptible. What attracts you to these sounds, and how do they fit within the overall narrative of the album? “Our Place Among the Stars” surprises with a gospel-tinged ending.
Lanvall: We started working with these instruments and stylistic devices 25 years ago; it's simply part of our musical DNA. I have a wide range of ethno instruments, which I have often brought with me when traveling from distant countries. The most difficult instrument to play is the dulcimer (hammered dulcimer). I came to a Bavarian instrument maker more than 10 years ago and received the last instrument he made before he retired. The overtone-rich sound of the 33 triple strings is truly incredible. We know it primarily from traditional folk music, but it can also sound incredibly mystical. It has an almost healing effect when playing, but tuning the 99 strings sometimes drives you crazy…
I use these instruments where I think they give the song added value that cannot be achieved with synthesizers and samples. These instruments have a high level of overtone richness, which adds that certain something extra. I discovered the swarmandal (an Indian zither) in an ethnic instrument shop and immediately fell in love with it. A few years ago, Sabine bought a monochord, which is also combined with a koto (Japanese zither) and a tampura (Indian long-necked lute).
I love gospel, and we already had a gospel part in “At First Light” on the previous album. These parts are usually also inspired by the underlying chords; in this case they are all 7th chords, which are usually the basis in gospel.
MiM: How did this unusual idea for symphonic metal come about, and what did you want to convey with this final twist?
Lanvall: I think it is simply a result of all the different influences and the wide spectrum of music I love. This ranges from classical music, soundtracks, musicals, great 70s and 80s pop stuff, new age music like Vangelis, AOR, and of course hard rock/metal. Not to forget to mention prog rock and metal. The wider your musical spectrum, the wider your sound and musical understanding. As I said before, for me it is a lifelong journey to discover this wonderful gift called music.
MiM: The heart of the album is “Spark Of The Everflame,” a 13-minute piece divided into four parts. How do you approach composing such a long track in 2025/2026, in the midst of the single era and fast consumption? Do you feel that these epic formats are an essential part of Edenbridge's DNA?
Lanvall: Absolutely, they were always essential for our sound. With long tracks it is usually the case that the song eventually reaches a point where it is clear that the end has not yet been reached. I then composed this completely orchestral, symphonic middle section, which integrated perfectly. In the last part of the song, some themes from the beginning are taken up and varied. In the end, this is always a very exciting musical journey and demonstrates very well what the band stands for in 2026.
MiM: Lanvall, you mention recurring motifs, complex modulations, and dynamic changes in these kinds of long compositions. Do you usually start with a narrative concept, a central musical motif, or a specific image when constructing a piece like “Spark Of The Everflame”?
Lanvall: I think the main epic theme has to be there first to really start with a song like that. In this case it was the whole first part, “Let Time Begin,” which already covers numerous motifs in just over 1 minute. The lyrics are always last. Of course an epic song like this has to carry an epic title and a big story too.
MiM: The cover design and all the visual art are the work of your drummer, Johannes Gral. What's it like working when the band itself controls both the musical and visual aspects, and how does the central figure on the cover encapsulate the album's message of transformation?
Sabine: The cover art forms the central theme of the album. It primarily embodies the themes of the title track, “Set the Dark on Fire,” as well as our single, “Cosmic Embrace.” The fire symbolizes the light that makes the darkness visible. We see this element as a transformative force when used wisely. The cover has always been an important part of our overall concept. Johannes has taken on more and more responsibility for the visual design over the past few years. Lanvall, Johannes, and I establish the creative team, and as a 3D graphic artist, Johannes possesses the technical know-how to brilliantly implement ideas. It's simply fantastic what he's created again this time—from the cover art and the booklet to the videos. We even started editing our first two video clips together and had a lot of fun doing it.
MiM: Finally, if you had to invite a listener unfamiliar with Edenbridge into your universe with just one song from “Set The Dark On Fire,” which one would you choose, and why does it so perfectly represent the band's soul in 2026?
Lanvall: For me it is always the long track, because there is everything in the band stands for, so definitely “Spark Of The Everflame.”
Sabine: I entirely agree with Lanvall in the case of “Spark of the Everflame” because it contains all the facets. But I'm picking “Set the Dark on Fire” now because your question was geared towards 2026. And that year definitely has firepower that needs to be used wisely so that it doesn't have a destructive effect but leads to transformation. I'm sure the song will really ignite live.
Thank you, Raul, for the interview and the great questions!
Sabine and Lanvall