"Detrás de cada metáfora hay una historia real. No creamos un mundo de fantasía"

English Version

En un momento en que cada eco y cada silencio adquieren un peso histórico, VØVK regresa con "Litera", un álbum profundamente personal y cargado de simbolismo que explora el paisaje emocional de Ucrania sin aludir directamente al conflicto. A través de seis fases naturales —sequía, fuego, inundación, primavera, amanecer y regreso a la sequía—, la banda construye una narrativa que comienza con la unidad mínima de la escritura para convertirse en un himno a la resiliencia, la renovación y la esperanza.

Grabado, mezclado y masterizado en Lizard Audio por Roman Bondar, con diseño artístico de Diogo Soares y dirección visual de Anton Shiferon, "Litera" no es solo un viaje sonoro: tiende un puente entre la tradición literaria ucraniana, la introspección individual y la universalidad de las emociones humanas. En esta entrevista, profundizamos en las raíces literarias que inspiran las letras, los sorprendentes descubrimientos creativos en el estudio y los desafíos de dar vida a un concepto tan ambicioso. Este nuevo álbum fue publicado el 3 de octubre a través de Kontrabass.

A continuación, descubre cómo VØVK concibe cada metáfora de la naturaleza, cómo las colaboraciones internacionales han ampliado sus horizontes sonoros y cómo planean preservar la identidad cultural de Ucrania presentando "Litera" en escenarios de todo el mundo.

MiM: Cada tema evoca un fenómeno natural, un animal o un elemento tangible. ¿Cuál fue el proceso creativo para elegir estos símbolos y conectar cada uno con un estado interior?

VV: Últimamente se habla mucho de la "muerte" del formato álbum, algo en lo que definitivamente no creemos. Aun así, a veces los álbumes se convierten en recopilaciones de canciones inconexas. Queríamos ir en la dirección opuesta: crear una historia completa y compleja, tanto musical como líricamente. En lo que respecta a la naturaleza y las estaciones, muchos ucranianos todavía ven el mundo a través del prisma del invierno de 2022. Sienten como si el tiempo se hubiera congelado, como si la nieve nunca se hubiera derretido, aunque la Tierra siga girando y la primavera, el verano y el otoño nunca hayan desaparecido. Queríamos reflexionar más profundamente sobre ese sentimiento, y una sola canción no bastaba.

En la naturaleza, todo es cíclico: sequía, fuego, agua, primavera y vuelta al principio. Lo mismo ocurre con nuestro panorama emocional durante la guerra: agotamiento, ira, purificación, renovación y el regreso de viejos miedos. Lo representamos como un camino —todo conectado— dejando espacio para que los oyentes experimentaran el ciclo a su manera.

MiM: «Litera» no menciona la guerra directamente, pero su presencia impregna cada canción. ¿Por qué eligieron reflejar la fragilidad y la esperanza a través de metáforas en lugar de mensajes explícitos?

VV: Para los ucranianos que viven la guerra a diario, las referencias directas pueden resultar traumáticas. Queríamos crear algo terapéutico. Todos saben que la guerra continúa; no hay necesidad de repetirlo. Así que hablamos a través de metáforas: a través de la tierra, el fuego, el agua, el trigo y los animales. Estas imágenes nos permiten decir mucho más sobre l dolor, el cansancio y la esperanza. Permiten al oyente no solo oír, sino sentir. Procesar emociones que suelen permanecer enterradas, sin expresar. Las extraemos de nuestro interior y del del oyente.

Al mismo tiempo, queríamos evitar atarnos a un solo momento: capturar el espíritu de la época en que nacieron las canciones, pero a la vez hacerlas multidimensionales para que sigan siendo relevantes en el futuro.

MiM: ¿Qué experiencias personales de la banda están más presentes en las letras y la música de este álbum? Muchas letras se basan en experiencias profundamente personales. ¿Podrías compartir un momento específico de tu vida que quedó plasmado en una canción y cómo se refinó esa experiencia en el estudio?

VV: La formación actual se creó en enero de 2022, apenas unas semanas antes de la invasión a gran escala. La mayoría de las canciones ya existían, pero fue durante la guerra cuando adquirieron lo que llamamos «la fuerza del significado». No podemos ignorar la realidad, y la realidad inevitablemente nos moldea.

Cada historia en las canciones, aunque oculta entre imágenes y paisajes, proviene de experiencias reales: las primeras sirenas antiaéreas, amigos que perdieron sus hogares por la ocupación y la angustia de ver la presa de Kakhovka destruida mientras el mundo permanecía indiferente. Todo esto se entretejió en la mitología del nuevo álbum.

MiM: Johannes Persson (CULT OF LUNA) y otros invitados aportan voces e instrumentos muy distintivos. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones y cómo enriquecieron el concepto de "Litera"?

VV: Desde el principio, sentimos que "Promin" necesitaba una voz especial: una con profundidad y resonancia emocional. Queríamos que transmitiera un sentimiento de unidad y apoyo, y sabíamos que Johannes Persson podía ser esa voz. Para nosotros, esta colaboración tiene un significado no solo musical, sino también simbólico. Johannes es una figura clave en la escena heavy moderna, y su participación es un acto consciente de apoyo a Ucrania. Comprende profundamente el contexto de la guerra y la importancia de dar voz a las voces ucranianas.

Junto a él, “Litera” cuenta con la participación de Anton Slepakov, una leyenda del underground ucraniano cuya voz cierra el álbum, periodista, músico; el médico y militar Maksym Chukhlib, quien grabó la voz hablada de “Leleka”, y un coro formado por miembros de Zwyntar, Omana, Straytones y Svitaie. Tres de estos artistas locales sirven actualmente en las Fuerzas Armadas de Ucrania, lo que otorga a sus voces una profundidad excepcional.

MiM: ¿Qué desafíos técnicos o artísticos enfrentaron durante la grabación, mezcla y masterización con Roman Bondar en Lizard Audio en medio de la tensa situación en Kiev?

VV: La grabación del álbum estuvo plagada de desafíos: cambios en la formación, la pandemia y, luego, la invasión a gran escala. Uno puede acostumbrarse a las sirenas antiaéreas, por muy frecuentes que sean, pero no a la frustración que generan. Un ensayo se pospone porque alguien necesita atender a su familia o porque no durmió después de una noche de bombardeos. En ocasiones, no hay electricidad en casa ni en el estudio, y literalmente no se puede encender un amplificador ni una computadora.

Las primeras sesiones de estudio coincidieron con atentados y apagones masivos, por lo que el progreso fue lento, sobre todo durante la mezcla. Pero lo logramos. Roman Bondar es un verdadero profesional y un artesano apasionado. Gracias a su paciencia y a nuestra perseverancia, el álbum vio la luz a pesar de todo.

MiM: El diseño artístico de Diogo Soares y la dirección de Anton Shiferson crean una estética impactante. ¿Cómo interactúa el arte visual con el contenido musical y lírico del álbum?

VV: La dirección visual de “Litera” es inseparable de su esencia. Ya habíamos trabajado con Diogo Soares; tiene una comprensión intuitiva de las emociones que buscamos expresar y las plasmó a la perfección en su obra. Anton Shiferson contribuyó a definir la estética general: cómo las imágenes se conectan con la portada, la identidad del grupo y las presentaciones en vivo. Queríamos que las imágenes tuvieran tanta fuerza como la música. Junto con Diogo, creamos ilustraciones para cada composición, incorporando los elementos principales de las canciones: paisajes, animales y símbolos de los elementos. La animadora Hanna Stryzh les dio vida en una narrativa visual completa para el álbum. La estética evoca la magia cinematográfica de los inicios de Georges Méliès, transformando la imaginación en realidad. Queríamos que los oyentes no solo escucharan la música, sino que también la vieran.

MiM: Aunque todas las canciones son en ucraniano, su trasfondo emocional busca ser universal. ¿Cómo logran equilibrar el idioma con una experiencia accesible para oyentes de todo el mundo?

VV: Fue un riesgo consciente: cantar en ucraniano, sabiendo que podríamos perder parte de nuestro público internacional. Pero también fue un importante acto de autoafirmación: no escondernos tras el inglés. Muchos músicos se pasan al inglés y pierden su identidad. Queríamos hacer lo contrario: resaltar quiénes somos. El mundo es polifónico, lleno de diferentes tradiciones y voces. Todos crecimos con música en inglés, pero ¿acaso no es emocionante escuchar post-metal en español, rock progresivo en danés o shoegaze en polaco? Creemos que la música tiene un lenguaje universal; aunque no entiendas las palabras, la emoción te llega. Lo más importante es que el arte refleje la realidad: lo que nos sucede, cómo lo vivimos. Hemos contado nuestra historia y esperamos que encuentre su lugar entre otras. El mejor resultado es cuando resuena en el corazón del oyente.

MiM: El álbum se describe como una historia coherente que fusiona lo intuitivo con lo consciente. ¿Cómo lograron esta tensión entre el impulso creativo y la reflexión conceptual?

VV: Detrás de cada metáfora hay una historia real. No creamos un mundo de fantasía; buscamos maneras de comprender la realidad. Estas imágenes son formas de expresar experiencias que no se pueden describir directamente. Desde fuera, podría parecer escapismo, pero en realidad es todo lo contrario: un intento de profundizar. Combinamos conscientemente intuición y estructura: el impulso puro y el concepto reflexivo. La tensión entre ambos es lo que mantiene viva la música. Para quienes entienden ucraniano, la letra resuena de forma instintiva; para quienes no, funciona a nivel emocional. Ese es nuestro objetivo: que no necesite traducción.

MiM: ¿De qué manera sientes que "Litera" representa una evolución en tu sonido o composición en comparación con trabajos anteriores?

VV: Comparado con "Lair", que fue más una exploración, "Litera" es autoconciencia. Sabemos quiénes somos y qué queremos decir. La música se ha vuelto más dinámica, la letra más profunda y la catarsis más intensa. Uno de los cambios más notables es el idioma. "Lair" era en inglés, mientras que "Litera" es en ucraniano: un paso arriesgado pero vital. No queríamos ser una banda más que "suene como otra". Queríamos sonar como nosotros mismos. Aunque el compositor principal es una sola persona, cada miembro deja su huella. El formato de trío también influye en nuestra composición: cada uno de nosotros tiene una responsabilidad; cada nota importa; no hay dónde esconderse. Esa vulnerabilidad da vida a la música.

MiM: Para capturar la tensión y la catarsis de cada fenómeno natural, ¿experimentarás con efectos de sonido, proyecciones visuales de interacción con la cronología?

VV: Durante la grabación, trabajamos conscientemente con capas de sonido —idiófonos, sintetizadores y percusión— para crear una sensación de fragilidad, movimiento y profundidad. Sabemos que las experiencias en vivo y en estudio pueden diferir, pero el objetivo es mantener la mayor parte de la atmósfera posible. La lista de canciones se diseñó para preservar la trayectoria dramática del álbum en el escenario. Pronto ofreceremos los primeros conciertos de presentación, donde invitaremos al oyente a sumergirse en la historia, a fundirse con nuestro mundo.

Estamos trabajando para mejorar nuestra producción escénica, incorporando diseño de escenografía e iluminación originales. Además, esperamos dar vida al mismo espíritu visual creado por Diogo Soares y Anton Shiferson.

MiM: De cara al futuro, ¿cómo influirá este proyecto en la dirección artística de Vøvk y qué nuevos horizontes les gustaría explorar próximamente?

VV: Mientras trabajábamos en “Litera”, finalmente encontramos una dirección artística que resuena profundamente con nosotros. Dedicamos mucho tiempo y energía a construir una identidad audiovisual cohesiva para Vøvk, y ahora queremos continuar por ese camino. Concebimos nuestro proceso como una serie: el álbum es una temporada y cada canción es un episodio. Si se trata de una serie clásica como "Friends", puedes ver un episodio sin haber visto el resto. Pero las series modernas deben verse en orden, y ese es nuestro enfoque: cada "episodio" es independiente, pero juntos forman una temporada que querrás revivir de principio a fin. Ya tenemos muchas ideas para la próxima "temporada" y esperamos no retrasarlas mucho. En cuanto recuperemos fuerzas, volveremos a seguir adelante. La vida en Ucrania dista mucho de ser estable, pero creemos que habrá victoria, habrá paz y habrá futuro. 

MiM: 15. Dentro de la rica tradición ucraniana de epopeyas orales y folclore, ¿cómo reviven elementos antiguos (mitos, proverbios, cuentos) para darles nueva vida en un contexto musical progresivo?

VV: La tradición oral ucraniana siempre ha interpretado la experiencia humana a través de la naturaleza. Por eso, cada canción hace referencia a elementos físicos —tierra, agua, trigo, árboles, la inmensidad del agua— y a animales que podemos imaginar fácilmente. Mediante estos símbolos, hablamos de emociones primigenias: miedo, agotamiento, ternura y esperanza. Cada composición tiene sus raíces en un paisaje o arquetipo específico propio de Ucrania. «Sil» evoca las áridas salinas de la región del mar de Azov; «Iskra», las ardientes estepas del Dniéper; «Leleka», la cigüeña, símbolo de familia y continuidad; y «Promin», el dorado campo de trigo bajo el cielo despejado, una imagen que todo ucraniano reconoce desde la infancia. Ese es el paisaje que inspira nuestra bandera.

MiM: ¿Qué poetas o narradores ucranianos crees que han influido directamente en la composición lírica de «Litera», y cómo se manifiestan sus influencias en las letras?

VV: Nos expresamos mediante metáforas y geopoética: paisajes, tierra, fuego, agua, trigo y animales. A través de ellas, expresamos dolor, fatiga y esperanza. Permiten al oyente no solo oír, sino también imaginar y sentir; compartir emociones que rara vez afloran. En cuanto a los nombres, nos inspiramos en muchas voces de la poesía ucraniana: Vasyl Stus, Hrytsko Chubai, Bohdan-Ihor Antonych, Hryhorii Skovoroda, Kateryna Kalytko, entre otros. Puede sonar ambicioso, pero nos encantaría que los oyentes extranjeros, tras leer las letras traducidas (incluidas en cada vídeo con letra), sintieran curiosidad por la literatura ucraniana.

MiM: Si tuvieras que comparar una canción del álbum con un poema o fragmento literario específico, ¿cuál elegirías y por qué?

VV: Pensamos en álbumes integrales unidos por un tema común: «De-Loused in the Comatorium» de The Mars Volta y «Disintegration» de The Cure. “Mellon Collie and the Infinite Sadness” de The Smashing Pumpkins. Para “Promin”, la referencia visual fue “Campo de trigo con cuervos” de Vincent van Gogh. En literatura, conecta con poetas ucranianos como Bohdan-Ihor Antonych y Lesya Ukrainka, y con obras globales sobre ciclos y renovación, como “Tsukuru Tazaki y sus años de peregrinación sin color” de Haruki Murakami o “Flores para Algernon” de Daniel Keyes.

MiM: Dado que el ciclo del álbum es circular, ¿cómo cerrarás el concierto para que el público sienta que regresa al punto de partida, comenzando su experiencia de nuevo?

VV: “Okean” completa el círculo conceptual del álbum: comienza con el mismo riff y tempo que “Sil”, llevando al oyente de vuelta al principio: una nueva sequía, un nuevo ciclo. El final conduce naturalmente al punto de partida, permitiendo a todos revivir el viaje. En muchos álbumes conceptuales, la historia del héroe termina con la muerte. La nuestra continúa. Él sigue vivo, repitiendo cada emoción y cada ciclo, hasta el momento en que por fin podamos respirar libres después de la guerra.

MiM: ¿Qué planes tienen para promocionar este álbum? ¿Hay algún concierto o gira programado para este año nuevo?

VV: Los conciertos en vivo son la forma más valiosa de conexión para nosotros, especialmente en tiempos de guerra. Notamos que cuanto más al este vamos, mayor es la expectación; estos conciertos son realmente importantes.

Estamos planeando una gira por Ucrania para presentar el álbum, y también participaremos en el Ukrainian Music Lab 2025 en Bucarest para representar la escena underground ucraniana. Bajo la ley marcial, viajar al extranjero es complicado, pero esperamos visitar tantos países como sea posible una vez que la situación mejore. Sin embargo, nuestra prioridad es tocar en casa. En ciudades de primera línea como Chernígov, Dnipró y Járkov, la vida se siente más pesada y los músicos las visitan con menos frecuencia; pero la gente de allí anhela especialmente la energía de la música en vivo. Queremos llevársela.

MiM: Para terminar, me gustaría que compartieras unas palabras con tus fans y nuestros lectores.

VV: Tras bambalinas, trabajamos arduamente para crear un lienzo musical cohesivo e inmersivo, lleno de sentimientos, significados y metáforas. Abrimos la puerta para que los oyentes lo experimentaran tanto sonora como visualmente. Esperamos sinceramente que esta historia conecte con corazones abiertos y sinceros.

Estamos profundamente agradecidos por el cariño y la atención que la gente nos brinda a nosotros y a nuestra música; significa muchísimo para nosotros. Aún más valioso es el apoyo a Ucrania durante estos tiempos difíciles. España se ha convertido en un segundo hogar para muchos de nuestros amigos que perdieron el suyo, y esa bondad es invaluable. Esperamos sinceramente que algún día superemos todos los obstáculos, podamos visitar España por primera vez y compartir nuestras emociones, reflexiones y energía en persona.

English Version

At a time when every echo and every silence takes on a historical weight, VØVK returns with "Litera," a deeply personal and symbol-laden album that explores Ukraine's emotional landscape without directly alluding to the conflict. Through six natural phases—drought, fire, flood, spring, dawn, and return to drought—the band constructs a narrative that begins with the minimal unity of writing to become a hymn to resilience, renewal, and hope.

Recorded, mixed, and mastered at Lizard Audio by Roman Bondar, with art design by Diogo Soares and visual direction by Anton Shiferson, "Litera" is not only a sonic journey: it bridges the gap between Ukrainian literary tradition, individual introspection, and the universality of human emotions.

In this interview, we delve into the literary roots that inform the lyrics, the surprising creative discoveries in the studio, and the challenges of bringing such an ambitious concept to life. This new album will be released on October 3rd via Kontrabass. Below, discover how VØVK conceives each natural metaphor, how international collaborations have broadened their sonic horizons, and how they plan to preserve Ukraine's cultural identity by presenting "Litera" on stages around the world.

MiM: Each track evokes a natural phenomenon, an animal, or a tangible element. What was the creative process for choosing these symbols and connecting each one with an inner state?

VV: There’s a lot of talk these days about the “death” of the album format—something we definitely don’t believe in. Still, sometimes albums turn into collections of unrelated songs. We wanted to go the other way—to create a complete, multilayered story, both musically and lyrically. When it comes to nature and seasons, many Ukrainians still see the world through the lens of the winter of 2022. It feels like time froze, as if the snow never melted—even though the Earth keeps turning and spring, summer, and autumn never disappeared. We wanted to reflect on that feeling more deeply, and one song wasn’t enough for that.

In nature, everything is cyclical: drought, fire, water, spring—and back to the beginning. The same goes for our emotional landscape during the war: exhaustion, anger, cleansing, renewal, and the return of old fears. We portrayed this as a path—everything connected—while leaving space for listeners to experience the cycle in their own way.

MiM: "Litera" doesn't mention war directly, but its presence permeates each song. Why did you choose to reflect fragility and hope through metaphors rather than explicit messages? 

VV: For Ukrainians who live through war every day, direct references can feel traumatic. We wanted to create something therapeutic instead. Everyone already knows the war continues—there's no need to repeat it. So we speak through metaphors—through earth, fire, water, wheat, and animals. These images allow us to say so much more—about pain, fatigue, and hope. They let the listener not just hear, but feel. To process emotions that usually stay buried, unspoken. We lift them from within ourselves—and from within the listener. At the same time, we wanted to avoid being tied to a single moment—to capture the spirit of the time in which the songs were born, yet make them multidimensional so they remain relevant later.

MiM: What personal experiences of the band are most present in the lyrics and music of this album? Many lyrics draw on deeply personal experiences. Can you share a specific moment in your life that was captured in a song and how that experience was refined in the studio?

VV: The current lineup formed in January 2022—just a few weeks before the full-scale invasion. Most of the songs existed earlier, but it was during the war that they gained what we call “muscles of meaning.” We can’t ignore reality—and reality can’t help but shape us. Every story in the songs, though hidden in imagery and landscapes, comes from real experience: the first air raid sirens, friends losing their homes to occupation, and the heartbreak of seeing the Kakhovka dam destroyed while the world remained indifferent. All of this became woven into the mythology of the new album.

MiM: Johannes Persson (CULT OF LUNA) and other guests contribute very distinctive vocals and instruments. How did these collaborations come about, and how did they enrich the concept of "Litera"?

VV: From the very beginning, we felt that “Promin” needed a special voice – one with depth and emotional resonance. We wanted it to carry the feeling of unity and support, and we knew Johannes Persson could be that voice.  For us, this collaboration has not only musical but also symbolic meaning. Johannes is a key figure in the modern heavy scene, and his participation is a conscious act of support for Ukraine. He deeply understands the context of the war and the importance of amplifying Ukrainian voices.

Alongside him, “Litera” features Anton Slepakov—a legend of the Ukrainian underground whose voice closes the album—journalist, musician, and serviceman Maksym Chukhlib, who recorded the spoken word for “Leleka,” and a choir made up of members from Zwyntar, Omana, Straytones, and Svitaie. Three of these local guests are currently serving in the Armed Forces of Ukraine, which gives their voices an especially profound weight.

MiM: What technical or artistic challenges did you encounter while recording, mixing, and mastering with Roman Bondar at Lizard Audio during such a tense situation in Kyiv?

VV: Recording the album came with endless challenges: lineup changes, the pandemic, and then—the full-scale invasion. You can get used to air raid sirens, no matter how frequent, but not to the frustration they bring. A rehearsal gets postponed because someone needs to help their family or because they didn’t sleep after a night of shelling. Occasionally there’s no electricity at home or at the studio—and you literally can’t turn on an amp or a computer.

The first studio sessions happened during massive attacks and blackouts, so progress was slow, especially during mixing. But we managed. Roman Bondar is a true professional and a passionate craftsman. Thanks to his patience and our persistence, the album came to life despite everything.

MiM: Diogo Soares's artistic design and Anton Shiferson's direction create a powerful aesthetic. How does the visual art interact with the album's musical and lyrical content?

VV: The visual direction of “Litera” is inseparable from its essence. We’ve worked with Diogo Soares before—he has an intuitive grasp of the emotions we aim to express and captured them perfectly in his artwork. Anton Shiferson helped shape the overall aesthetic—how the visuals connect with the cover, the band’s identity, and the live performances. We wanted the visuals to speak as loudly as the music. Together with Diogo, we created illustrations for each composition, embedding the main elements of the songs—landscapes, animals, and symbols of the elements. Animator Hanna Stryzh brought them to life in a full visual narrative for the album. The aesthetic echoes Georges Méliès’ early cinematic magic—transforming imagination into reality. We wanted listeners not only to hear the music but also to see it.

MiM: Although all the songs are in Ukrainian, their emotional undertones aim to be universal. How do you balance your language with an experience accessible to listeners around the world?

VV: It was a conscious risk—singing in Ukrainian, knowing we might lose some of our foreign audience. But it was also an important act of self-definition—not hiding behind English. Many musicians switch to English and lose their identity. We wanted to do the opposite: to highlight who we are. The world is polyphonic, filled with different traditions and voices. We all grew up on English-language music, but isn’t it exciting to hear post-metal in Spanish, prog-rock in Danish, or shoegaze in Polish? We believe music has a universal language—even if you don’t understand the words, the emotion reaches you.

What matters most is that art reflects reality—what happens to us, how we live through it. We’ve told our story, and we hope it finds a place among others. The best outcome is when it resonates in the listener’s heart.

MiM: The album is described as a cohesive story that blends the intuitive with the conscious. How did you achieve this tension between creative impulse and conceptual reflection?

VV: Behind every metaphor is a real story. We didn’t create a fantasy world—we searched for ways to comprehend reality. These images are ways of expressing experiences that can’t be described directly. From the outside, it might look like escapism, but in truth, it’s the opposite—an attempt to look deeper. We consciously combine intuition and structure—the raw impulse and the reflective concept. The tension between the two is what keeps the music alive.

For those who understand Ukrainian, the lyrics resonate instinctively; for those who don’t, they work on an emotional level. That’s our goal—meaning that doesn’t need translation.

MiM: In what ways do you feel "Litera" represents an evolution of your sound or your songwriting compared to previous works?

VV: Compared to “Lair,” which was more of an exploration, “Litera” is self-awareness. We know who we are and what we want to say. The music has become more dynamic, the lyrics deeper, and the catharsis stronger. One of the most notable changes is the language. “Lair” was in English, while “Litera” is in Ukrainian—a risky but vital step. We would rather not be another band that “sounds like someone else.” We wanted to sound like ourselves.

Though the main songwriter is one person, every member leaves their mark. The trio format also shapes our writing—each of us carries responsibility; every note matters; there’s nowhere to hide. That vulnerability makes the music breathe.

MiM: To capture the tension and catharsis of each natural phenomenon, will you experiment with sound effects, visual projections, or multimedia interaction?

VV: While recording, we consciously worked with sound layers—idiophones, synths, and percussion—to create a sense of fragility, movement, and depth. We’re comfortable with the fact that live and studio experiences may differ, but the goal is to keep as much of the atmosphere as possible. The tracklist was built to preserve the album’s dramatic arc on stage. We’ll soon perform the first presentation shows, where we’ll invite the listener into the story—to dissolve into our world.

We’re working to elevate our stage production—adding original set design and lighting. Furthermore, we hope to bring to life the same visual spirit created by Diogo Soares and Anton Shiferson.

MiM: Looking to the future, how will this project impact Vøvk's artistic direction, and what new horizons would you like to explore next?

VV: While working on “Litera,” we finally found an artistic direction that truly resonates with us. We spent a lot of time and energy building a cohesive audiovisual identity for Vøvk—and now we want to continue on that path. We see our process like a series: the album is a season, and each song is an episode. If it’s an old-school show like “Friends,” you can watch one episode without the rest. But modern series need to be watched in order—and that’s our approach: every “episode” stands alone, but together they form a season that you want to revisit from start to finish.

We already have plenty of ideas for the next “season” and hope not to delay them for long. Once we regain some strength, we’ll move forward again. Life in Ukraine is far from stable, but we believe there will be victory, there will be peace, and there will be a future.

MiM: 15. Within Ukraine's rich tradition of oral epics and folklore, how do you revive ancient elements (myths, proverbs, tales) to give them new life in a progressive musical context?

VV: Ukrainian oral tradition has always read human experience through nature. That’s why each song references physical elements—earth, water, wheat, trees, vast water—and animals we can easily imagine. Through these signs, we speak about primal emotions: fear, exhaustion, tenderness, and hope. Each composition has roots in a specific landscape or archetype familiar to Ukraine. “Sil” evokes the dry salt flats of the Azov Sea region; “Iskra”—the burning steppes of the Dnipro; “Leleka”—the stork, a symbol of family and continuity; and “Promin”—the golden wheat field beneath the clear sky—the view every Ukrainian recognizes from childhood. That’s the landscape behind our flag.

MiM: Which Ukrainian poets or storytellers do you feel have directly influenced the lyrical construction of "Litera," and how do their influences appear in the lyrics?

VV: We speak through metaphors and geopoetics—landscapes, earth, fire, water, wheat, and animals. Through these, we express pain, fatigue, and hope. They allow the listener not just to hear but to imagine and feel—to share emotions that rarely surface. As for names, we draw inspiration from many voices in Ukrainian poetry—Vasyl Stus, Hrytsko Chubai, Bohdan-Ihor Antonych, Hryhorii Skovoroda, Kateryna Kalytko, among others.

It might sound ambitious, but we’d love for foreign listeners, after reading the translated lyrics (included in every lyric video), to become more curious about Ukrainian literature.

MiM: If you had to compare a song from the album to a specific poem or literary fragment, which would you choose and why?

VV: We think of holistic albums united by a single theme—The Mars Volta’s “De-Loused in the Comatorium” and The Cure’s “Disintegration.” The Smashing Pumpkins’ “Mellon Collie and the Infinite Sadness.” For “Promin,” the visual reference was Vincent van Gogh’s “Wheatfield with Crows" In literature, it connects to Ukrainian poets like Bohdan-Ihor Antonych and Lesya Ukrainka and to global works about cycles and renewal—like Haruki Murakami’s “Colorless Tsukuru Tazaki and His Years of Pilgrimage” or Daniel Keyes’ “Flowers for Algernon.”

MiM: Given the album's cycle is circular, how will you close the concert so that the audience feels like they're back where they started, beginning their experience anew?

VV: “Okean” completes the conceptual circle of the album: it begins with the same riff and tempo as “Sil,” bringing the listener back to the start—a new drought, a new cycle. The ending naturally leads to the starting point, allowing everyone to relive the journey. In many concept albums, the hero’s story ends in death. Ours continues. He lives on, repeating each emotion and cycle—until the moment we can finally breathe freely after the war.

MiM: What plans do you have to promote this album? Are there any concerts or tours scheduled for this new year?

VV: Live shows are the most precious form of connection for us—especially during wartime. We notice that the farther east we go, the stronger the anticipation becomes—these concerts really matter. We’re planning a Ukrainian tour to support the release, and we’ll also take part in Ukrainian Music Lab 2025 in Bucharest to represent the Ukrainian underground scene. Under martial law, traveling abroad is complicated, but we hope to visit as many countries as possible once it becomes easier.

Our priority, though, is to perform at home. In frontline cities like Chernihiv, Dnipro, and Kharkiv, life feels heavier, and musicians visit less often—but people there especially crave live energy. We want to bring it to them.

MiM: Finally, I wanted you to feel free to share a few words with your fans and our readers.

VV: Behind the scenes, we worked hard to create a cohesive and immersive musical canvas—full of feelings, meanings, and metaphors. We opened the door for listeners to experience it both sonically and visually. We truly hope this story resonates with open, sincere hearts.

We’re deeply grateful for the love and attention people show to us and our music—it means the world. Even more precious is the support for Ukraine during these difficult times. Spain has become a second home for many of our friends who lost theirs—and that kindness can’t be overstated. We sincerely hope that one day we’ll overcome all obstacles, come to Spain for the first time, and share our emotions, reflections, and energy in person.

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